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El libro de arte de «Los Increíbles»

Libro de Mark Cotta Vaz

Esta semana he tenido el placer de disfrutar del libro de arte de Los Increíbles, película creada en 2018 por Pixar y Disney dirigida por Brad Bird y producida por John Laseter

Mark Cotta es el autor, y ha escrito más de 14 libros sobre temas relacionados con la ilustración y el diseño.

El libro contiene 160 páginas con bocetos sobre personajes, conceptos, guiones gráficos y estudios de iluminación; con técnicas tan diferentes como collage, aguadas, tinta y pintura, trabajo digital, lápiz, rotulador… incluso modelado de las piezas con uretano fundido.

En el libro se pueden ver el proceso de creación de Míster Increíble, Elastigirl, Jack-Jack, Violetta, Dash, Frozono, Síndrome o Edna… También se muestra las figuras de uretano fundido creadas por Kent Melton, que se utilizaron posteriormente como referencia, modeladores, riggers y  animadores durante la película.

Paleta de color

Me gusta ver el desarrollo de la paleta de color que se emplea y como se utiliza en el transcurso de la película y en este libro de arte se dan algunas pinceladas sobre su uso y el porque de la toma de decisiones. Lou Romano, diseñador de producción, fue el encargado de crearla para «Los Increíbles»

Lucroy, directora de fotografía de iluminación, explica como la combinación de colores entraba justo en el arco de la historia que buscaba Brad el guionista y director de este largometraje de animación.

El libro explica cómo en el prólogo de los días de gloria de los superhéroes la paleta usada era muy saturada y los colores muy puros. En Insuricare, durante la época en la que los héroes ocultan sus poderes, la paleta está muy desaturada pareciendo casi monocromática.

A medida que avanza la historia introducen de nuevo el color. Usándolo para resaltar la acción o lo quitándolo para indicar la ausencia de ella.

Al final, cuando la familia se comporta como una unidad encontrando el equilibrio en su vida, el color que puede verse es en el film es muy natural y equilibrado. Proceso que va ocurriendo  sutilmente en el desarrollo visual de la historia.

El color ayuda a hacer sentir a los que ven la película, que se encuentra en diferentes lugares físicos vinculados ta las emociones de los personajes.

Es algo que se hace también, que el espectador no percibe que el color manipula esta sensación.

Janet Lucroy, dice textualmente en página 63 del libro»El estilo sirve para apoyar la historia no para eclipsarla». 

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Frases favoritas Andrew Loomis en Creative ilustration

He finalizado la lectura de Creative ilustration de Andrew Loomis. Es un magnifico ilustrador norteamericano de los años 40. Publicó libros considerados referencias para aprender de dibujo, pintura e ilustración.

El libro se centra en la ilustración, pero he encontrado gran parte de sus explicaciones de gran ayuda. Algunas , sin duda para trasladaré a las composiciones 3D. Estas son algunas de las frases que mas me han gustado. Creo que no tienen desperdicio:

El diseño y no el tema, es lo que hace el cuadro.

A menudo os preguntareis como llamar la atención sobre una cabeza, figura o lugar determinados. Todo cuadro debe tener un punto focal principal y todas las lineas deben conducir el ojo hacia ese punto. El viejo refrán «todos los caminos llevan a Roma es fundamental para la buena composición, vuestro caminos son las líneas.

En todo buen cuadro debe plantearse un camino que el ojo pueda seguir fácil y naturalmente. Las lineas de desvían de tema principal, deben ser detenidas mediante algún artificio o por otra línea que haga retroceder al ojo.

El ojo debe entrar por la parte inferior y salir por la parte superior, nunca a los costados, puesto que los ángulos son verdaderas trampas para el ojo a causa de sus intersecciones. Debemos de desviar el ojo de ellos.

Mediante el empleo de la linea podéis hacer seguir al ojo en la dirección que queráis. Hacer entrar al ojo, entendedlos con un foco de interés y después dejarlo salir. El camino debe ser agradable, no estar obstruido ni tener desvíos.

No le déis al ojo dos caminos, produce una reacción negativa.

Podéis poner a prueba cualquier composición determinando los espacios que quedan entre los objetos, sombreándolos y verificando si forman un buen diseño.

Todo dibujo es proporción. Consiste en la exactitud de la linea o en la expresión de la luz sobre la forma. Toda área esta en la luz, en medio tono o en sombra, el autor elije donde.

El procedimiento de terminar una figura para rellenar después los espacios que quedan alrededor, suelen dar por resultado una mala composición. Imaginad primero un escenario y colocar la figura sen él. Pensad en la luz y las sombras sobre el escenario y sobre las figuras comprendidas en él. Es mejor pensar en el escenario y el diseño, o en combinación de formas que en la figura misma.

No la definición, sino la selección, la acentuación y la subordinación constituyen la base del arte.

Frases para modeladores y texturizadores 3D

En algunos caso parece, aunque el libro sea para ilustradores, que algunos consejos se los de directamente modeladores y texturizadores 3D.

¡Estas frases me encantan¡

Cuanto mayor se la distancia menor el modelado, más simple el tono, menor el número de planos, menor la reflexión en las sombras y mas sencilla la combinación de luz sombras.

La suavidad de un contorno pude ser evidente en formas redondeadas u ovaladas, pero también existe en bordes duros, como por ejemplo los lados de una mesa. Contemplad la superficie de la mesa y veréis que los bordes son diferentes.

Los ojos no pueden enfocar simultáneamente dos distancias distintas. Quizás creáis que podéis ver con la misma precisión todos los objetos contenidos en vuestro campo visual, pero la verdad es que el ojo, realiza constantes ajuste focales , y como en un instante, la vista solo puede concentrarse en una distancia dada. Si el cuadro tiene un puntos de interés focal el material circundante se subordina y esfuma hacia los bordes. La solución consiste en sumergir o desvanece en el tono los detalles de la superficie a medida que la distancia aumenta.

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Pasos para poder utilizar la subdivisión informal

La subdivisión informal es puramente creativa , no mecánica. Es un método creado por Andrew Loomis.

Define esta técnica propia como una forma de no enfrentarse a un folio vacío. Lo plantea como una técnica para empezar a crear, incluso sin saber de que tema se ha de trabajar. A  medida que se crean las líneas se sugieren la distribución.

Para empezar a crear una subdivisión formal hemos de:

Dividir el espacio donde se realizará la composición con una sola línea. Es preferible que no sea ni en la mitad del espacio, ni en un tercio, ni en  un cuarto del espacio total

Después hay que atravesar el espacio total con una diagonal de un vértice a otro. En la intersección de estas dos lineas trazaremos una horizontal.

Una vez terminada, trazaremos diagonales en cualquiera de los rectángulos creados. En sus intersecciones trazaremos horizontal o perpendiculares, obteniendo nuevos rectángulos que a su vez serian divididos por nueva diagonales de manera que ninguno de lo espacios resultante sera descompuesto dos veces de igual forma.

El objetivo es ofrecer gran cantidad de sugerencias para la colocación de figuras y contornos. Recurriendo a esta técnica sabremos que no habrá dos espacios iguales salo los que forman ambos lados de la primera diagonal

Lo cierto es que, al usar la subdivisión no formal, se empieza a crear desde el primer trazo. A medida que vas trazando las líneas guías estas van sugiriendo que colocar en cada hueco. La composición resulta muy dinámica y mantiene el equilibrio.

Es una forma diferente de trabajar con un esquema compositivo. Creas uno exclusivo cada vez, siguiendo las pautas de creación de la subdivisión informal a medida que creas los trazos de diagonales, verticales y horizontales. La ventaja es que tras borrar estas guías se podrá ver que la composición mantiene el equilibrio y es consistente, ademas de haber ayudado a tener una composición dinámica y bien distribuida.

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Principios de composición extraídos de Creative ilustration de Andrew Loomis

Principios de composición extraídos de Creative ilustration de Andrew Loomis

  • Principio de la palanca aplicado a la composición
  • Lineas y áreas superpuestas ( para crear mayor sensación de tridimensionalidad)
  • Uso de la división forma para la composición simétrica
  • Uso la subdivisión informal (método creado por Loomis)

Loomis insiste, con razon que todo dibujo es proporción.
Especifica que consiste en la exactitud de la linea o en la expresión de la luz sobre la forma donde toda área esta en la luz, en medio tono o en sombra.

Define los pasos en estas etapas:

  • primera etapa: contorno
  • segunda etapa separación de luz y sombra
  • tercera etapa modelado de planos
  • cuarta etapa. adición de luces y acentos