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Camaras 3D: Distancia focal (Focal Length) y profundidad de campo (DoF)

La distancia focal (Focal Length) es la distancia a la cámara en la que las cosas se encuentran enfocadas o cómo se dice en el cine a Focus.

La profundidad de campo es la distancia entre los objetos más cercanos y más lejanos en una foto que parece aceptablemente nítida.

Las cámaras sólo son capaces de enfocar perfectamente en un punto, llamado punto de foco (Focus Point). Sabiendo eso entendemos que la profundidad de campo es la distancia a la que las cosas permanecen sensiblemente a foco.

Esto nos permite estar a una distancia focal muy larga y a una profundidad de campo (DoF) muy corta o a la inversa.

Esta imagen de Elizabeth Gray ayuda a entenderlo de una forma muy gráfica.

En la primera imagen se muestra una profundidad de campo (DoF) estrecha y grande, donde sólo se enfoca una pequeña porción del sujeto enfocado. En la segunda vemos un gran DoF donde gran parte de la escena está enfocada, viendose practicamente todos los objetos de forma nítida.

Los sujetos que se encuentren enfocados llamarán la atención del espectador. Todo aquello que se quede desenfocado pasará desapercibido.

Este artículo es una magnífica guía que explica de forma muy sencilla y con ejemplos los conceptos de profundidad de campo (DoF) , distancia focal (Focus Distance), punto de foco (Focus Point) https://photographylife.com/what-is-depth-of-field

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Cámaras 3D: Ángulo de visión (Angle of view) y tipos de lentes

Para poder utilizar la cámara de un programa 3D como Maya o 3d Studio necesitaremos conocer conceptos teóricos que nos ayudaran a sacarle el máximo provecho.

Los primeros conceptos que hemos de conocer son Angle of view (Ángulo de visión) y Focal Length (distancia focal).

Estos derivan del uso de cámaras reales, fotográficas, o de cine, por lo que repasaremos de dónde proceden y qué significa cada uno de ellos.

Angle of view (Ángulo de visión)

Las cámaras tienen una lente montada sobre el extremo por donde penetra la luz y la imagen. El número de milímetros de la lente nos indica la distancia existente entre el sensor y la lente física de la cámara.

Cuánto mayor es el número de milímetros de la lente, más distancia existe entre el sensor de la cámara y el objetivo (final de la cámara).

El número está relacionado también con el ángulo y el campo de visión que capta la cámara. Cuánto más cerca está la lente del sensor más amplio es el campo de visión (Angle of view) que podemos captar.

Por el contrario cuanto menor sea el número de milímetros de la lente, mayor será el campo de visión que sea capaz de contar.

Focal length and angle of view guide

Tipos de lentes

La lente de 50 mm es la que proporciona la imagen más parecida a la visión de un ser humano. Podemos considerar normal las lentes que se encuentran entre 35 y 55 mm.

Las lentes que se encuentran por debajo de los 35 mm se denominan angulares. Son habituales para escenarios, fotografías de grupos e infoarquitectura.

A medida que la lente se reduce, se producen aberraciones en los extremos de la foto volviendo las lineas rectas en curvas. El caso más evidente de esta deformación es cuando usamos lentes de 14 mm o menos. La imagen captada tiene un angulo de visión (Angle of view) muy amplio 180º y la deformación de un ojo de pez.

Por encima de los 50 milímetros de lente estaremos utilizando teleobjetivos. Los objetivos de 100mm a los 300mm son ampliamente usados para captar visa salvaje y fotografía deportiva. El uso de esta lente genera encuadres de planos generales dando una visión de entorno.

Las lentes que van de 300 mm a 600 mm se suelen emplear para capturar detalles de naturaleza y sujetos pequeños a los que es difícil aproximarse. Cuando usamos teleobjetivos tenemos ángulos de visión (Angle of view) muy pequeños un efecto de aproximación del espacio fotografíados.

En estos casos los sujetos encuadrados parecen estar mas próximos unos a otros, comprimiéndose de forma visual la distancia entre el objeto enfocado y el fondo.

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El libro de arte de «Los Increíbles»

Libro de Mark Cotta Vaz

Esta semana he tenido el placer de disfrutar del libro de arte de Los Increíbles, película creada en 2018 por Pixar y Disney dirigida por Brad Bird y producida por John Laseter

Mark Cotta es el autor, y ha escrito más de 14 libros sobre temas relacionados con la ilustración y el diseño.

El libro contiene 160 páginas con bocetos sobre personajes, conceptos, guiones gráficos y estudios de iluminación; con técnicas tan diferentes como collage, aguadas, tinta y pintura, trabajo digital, lápiz, rotulador… incluso modelado de las piezas con uretano fundido.

En el libro se pueden ver el proceso de creación de Míster Increíble, Elastigirl, Jack-Jack, Violetta, Dash, Frozono, Síndrome o Edna… También se muestra las figuras de uretano fundido creadas por Kent Melton, que se utilizaron posteriormente como referencia, modeladores, riggers y  animadores durante la película.

Paleta de color

Me gusta ver el desarrollo de la paleta de color que se emplea y como se utiliza en el transcurso de la película y en este libro de arte se dan algunas pinceladas sobre su uso y el porque de la toma de decisiones. Lou Romano, diseñador de producción, fue el encargado de crearla para «Los Increíbles»

Lucroy, directora de fotografía de iluminación, explica como la combinación de colores entraba justo en el arco de la historia que buscaba Brad el guionista y director de este largometraje de animación.

El libro explica cómo en el prólogo de los días de gloria de los superhéroes la paleta usada era muy saturada y los colores muy puros. En Insuricare, durante la época en la que los héroes ocultan sus poderes, la paleta está muy desaturada pareciendo casi monocromática.

A medida que avanza la historia introducen de nuevo el color. Usándolo para resaltar la acción o lo quitándolo para indicar la ausencia de ella.

Al final, cuando la familia se comporta como una unidad encontrando el equilibrio en su vida, el color que puede verse es en el film es muy natural y equilibrado. Proceso que va ocurriendo  sutilmente en el desarrollo visual de la historia.

El color ayuda a hacer sentir a los que ven la película, que se encuentra en diferentes lugares físicos vinculados ta las emociones de los personajes.

Es algo que se hace también, que el espectador no percibe que el color manipula esta sensación.

Janet Lucroy, dice textualmente en página 63 del libro»El estilo sirve para apoyar la historia no para eclipsarla». 

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Monocromía

Tipos de monocromías

Una monocromía es una paleta que solo tiene un color.

La monocromía más básica que nos podemos encontrar es aquella que se hace con un color y con su ausencia.

El ejemplo más claro que tenemos de esta monocromía es una a la que estamos muy acostumbrados; aquella que se encuentra en los libros. Donde se puede ver el texto escrito en negro sobre fondo blanco ( normalmente color del folio que contiene el texto.

Pero no solo hay monocromía creadas con negro en los escritos. También podemos encontrarla en ilustraciones y cine.

En ilustraciones y viñetas hay que tener muy en cuenta el balance y el peso de cara a la distribución del color, con el fin de mantener la composición equilibrada.

Para eso hay que saber que el peso es diferente para el negro y para el blanco, puesto que no pesan lo mismo. El negro transmitirá oscuridad y el blanco luz.

Para equilibrar una imagen nos hará falta utilizar mucho menos negro que blanco.

Una caracterítica básica de este tipo de monocromía es la dureza que transmite al no existir transición entre el blanco y el negro.

Una forma de crear una escala de grises y obtener variaciones seria sería utilizando la técnica de la trama, tal y como se hacen los cómics de una tinta.

La monocromía de un solo tono no es exclusiva del color negro, puede utilizarse cualquiera para crearla.

Podemos crear con un mismo tono y utilizando diferentes valores de gris.

Esta monocromía tendrá la característica de ser mucho más suave porque consigue tonos grises intermedios que van desde el negro al blanco.

Un ejemplo visual de esta sería, el uso del lápiz en un dibujo, donde podemos encontrar muchos matices desde el sombreado suave hasta el trazo fuerte y duro que da el tono mas fuerte.

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Diferencias entre luz cálida y luz fría

De forma general podemos decir que:

Luz Cálida:  Es aquella que se mueve entre los tonos naranjas , rojos , amarillos y varían entre las temperaturas de color 2000ºK y 4500ºK.  Estas luces equivalen a la luz emitida por bombillas incandescentes y los focos halógenos.

Luz Neutra: o luz blanca, es la luz más natural (oscila entre las temperaturas de color 4500ºK y 5500ºK)

Luz Fría: Son aquellas que se desplazan hacia el color azul y son superiores a 6000ºK. Equivale a la luz de un día muy soleado  nublado. Una de las ventajas de la luz fría es que a la misma intensidad aporta una mayor cantidad de lumens lo que genera una percepción mayor de luminosidad.

La temperatura de color es una forma simplificada de medir la tonalidad dominante de una fuente de luz que se percibe como blanca. La temperatura de color es un número que se expresa en Kelvin, unidad que se utiliza para medir la temperatura. Como orientación utilizo esta tabla para poder orientarme en cuanto a elección de la temperatura de color que se desee emplear.

temperaturas de color más habituales

Para ver de una forma más gráfica la diferencia entre una iluminación fría y una cálida he preparado dos iluminaciones diferentes para una misma composición que he realizado con un abrecartas.